Il trasporto del contadino ferito: Un capolavoro di Domenico Purificato e una dichiarazione fondamentale della Pietà laica italiana

La visione 

L’immagine del dipinto di Purificato, richiede un’analisi complessa e articolata, che ne sveli non solo il titolo e l’autore, ma anche il suo significato storico, il contesto stilistico e la sua risonanza tematica. Questo articolo inserito nella rubrica “l’Arte della Sicurezza”  si propone di fornire una relazione un tantino più dettagliata, che colloca il dipinto nel più ampio panorama dell’arte italiana del XX secolo.

L’opera in questione si identifica come Il trasporto del contadino ferito, un dipinto di Domenico Purificato, una figura centrale del panorama artistico e intellettuale italiano della metà del XX secolo (1915-1984).
L’opera rappresenta un momento cruciale della sua produzione matura, essendo stata esposta per la prima volta in un contesto di grande rilievo artistico, la VI Quadriennale di Venezia del 1952. L’analisi che segue dimostrerà come questo dipinto non sia una mera raffigurazione di realismo sociale, ma una potente e deliberata reinterpretazione dell’archetipo della “Pietà” in chiave moderna. Purificato trasforma un tema religioso e atemporale di sofferenza e redenzione in un inno laico alla dignità umana, al dolore collettivo e alla resilienza della classe contadina.   

Dalle origini laziali all’ambiente artistico romano

La carriera di Domenico Purificato ha radici nella sua città natale, Fondi, dove nacque nel 1915. Sebbene avesse inizialmente intrapreso studi di giurisprudenza, il suo destino artistico lo portò a trasferirsi a Roma nel 1934. Questo spostamento fu cruciale, poiché fu qui che, grazie al suo amico e concittadino il poeta Libero de Libero, fu introdotto negli ambienti culturali e artistici della capitale, in particolare nella Scuola Romana. Le sue prime opere, come suggeriscono le fonti, mostrano l’influenza di pittori come Scipione. Questa fase iniziale segnò l’inizio di un percorso in continua evoluzione, che lo avrebbe portato a diventare una delle voci più significative del suo tempo.   

Il percorso stilistico di Purificato non è stato lineare, ma ha seguito una traiettoria complessa che rifletteva le sue preoccupazioni intellettuali e le dinamiche storiche del dopoguerra. I suoi primi dipinti, come documentato, sono caratterizzati da figure immerse in un’atmosfera “atemporale ed arcadica” e risolte con “tonalità terrose e pastello”. Questa fase, intrisa di un lirismo quasi pastorale, ha successivamente lasciato il posto a un impegno più esplicito nei confronti del realismo sociale negli anni Quaranta e Cinquanta, facendone un “acclamato pittore della corrente realista sociale”.   

Identificazione e contesto

L’importanza dell’opera con il titolo Il trasporto del contadino ferito, è sottolineata dalla sua partecipazione alla VI Quadriennale di Venezia nel 1952. È importante notare come questo dipinto sia un’anticipazione di un tema che l’artista avrebbe ripreso in seguito; un’altra sua opera, datata 1966, porta esplicitamente il titolo de La pietà.
Questa ricorrenza del tema dimostra che la rappresentazione del dolore e del lutto era una preoccupazione tematica costante nella produzione di Purificato.   

La composizione del dipinto è orchestrata con grande maestria. Le figure sono disposte in un gruppo serrato, creando un senso di unità e di azione corale attorno al corpo esanime al centro. Il movimento dinamico dei portatori contrasta con la totale immobilità del corpo trasportato, una tensione visiva che evoca immediatamente le celebri “Deposizioni” o “Trasporti” della tradizione pittorica. Purificato utilizza le “tonalità terrose e pastello” che caratterizzano la sua pittura di questo periodo. Questa tavolozza crea un’atmosfera al tempo stesso sobria e commovente, conferendo alla scena una solennità che trascende il momento specifico. I dettagli, come i piedi nudi dei personaggi, li legano indissolubilmente alla terra e alla loro umile condizione, un elemento che sottolinea la povertà e il legame profondo con il lavoro agricolo.   

L’opera si configura come una rilettura potente e deliberata di un tema cardine nella storia dell’arte occidentale: la “Pietà”. Purificato si inserisce in una tradizione iconografica profonda, la cui eredità visiva si può rintracciare in maestri come Beato Angelico (noto per la sua condotta devozionale e il suo repertorio iconografico) e Domenico Ghirlandaio (che riprese il gruppo dei pastori nella sua Natività). Sebbene queste figure non siano direttamente collegate a Purificato, le loro opere forniscono il contesto storico e il vocabolario visivo che l’artista ha consapevolmente attinto e sovvertito.   

Un dialogo con la tradizione e la modernità

Purificato e il movimento neorealista

Sebbene Purificato sia considerato un esponente del Neorealismo, la sua pittura non si esaurisce in questa etichetta. Come suggerito da una fonte, “sbaglierebbe… chi volesse far rientrare nella sigla neorealista la pittura di Purificato”. La sua arte, infatti, cattura “la realtà di tutti coloro che non dimenticano la natura, l’uomo, e il suo passaggio sulla terra più durevole della natura stessa, quando l’arte se ne impadronisce per tramandarne la memoria”. Questo approccio, che eleva il racconto della vita quotidiana a una dimensione quasi epica, lo distingue da un realismo puramente documentaristico. La sua pittura, pur rappresentando la vita delle classi umili , si appropria di una “tradizione” artistica, come evidenziato dagli scritti di Libero de Libero, per arricchirla di un futuro, senza cadere in “surrogazioni anticulturali e di accatti polemici”

La polemica duratura

Il trasporto del contadino ferito può essere visto come un esempio precoce della posizione che Purificato avrebbe difeso con forza nel corso della sua carriera. Le fonti attestano la sua “aspra polemica contro le Neoavanguardie che negli anni ’60-’70 dominano la scena artistica decretando la morte dell’arte”. Egli era un “convinto assertore di una pittura figurativa” che si basava sull’osservazione dell’uomo e della natura. Questo dipinto, realizzato anni prima che tale polemica diventasse un tema centrale nei suoi scritti, incarna già quella filosofia: la salda convinzione che l’arte, per essere significativa, dovesse rimanere ancorata alla rappresentazione della realtà umana, pur utilizzando il linguaggio stilistico e la dignità formale della grande tradizione.